Caractéristiques du cubisme
Le cubisme est un mouvement artistique apparu en France au début du XXe siècle. Les œuvres cubistes ont cherché à représenter des éléments de la nature à travers des formes géométriques, en particulier des formes cubiques.
Ainsi, le style cubiste s'opposait au réalisme des images représentées à la Renaissance, par exemple. Les principes qui définissent l'art cubiste sont présents à la fois dans les arts plastiques et dans la littérature.
Pour mieux comprendre l’essence de ce mouvement, découvrez quelques-unes de ses principales caractéristiques de l’art:
Valorisation des formes géométriques et fragmentées
Fille à la mandoline (1910), Pablo Picasso
Comme le nom même du mouvement l'indique, le cubisme a pour caractéristique principale l'utilisation de formes géométriques en tant que composante essentielle des œuvres.
L'artiste cubiste cherche à simplifier le monde dans ses peintures et, pour cela, s'approprie les cubes, les cônes, les cylindres et autres formes géométriques aux lignes droites et simples.
Ce figurativisme géométrique ne doit pas être confondu avec l’art abstrait, car contrairement à celui-ci, dans les œuvres cubistes, les formes ont un certain niveau d’identification.
Dans le cubisme synthétique, par exemple, les figures s'associent facilement à des objets ou à des personnes, même si elles sont construites à partir de formes géométriques.
Utilisation de "rimes en plastique"
La fenêtre aux collines (1923), Juan Gris
La «comptine plastique» est une technique appliquée par certains artistes cubistes, où chaque forme géométrique donnait une continuité à une autre, créant un effet harmonieux dans l’œuvre.
Cette technique a été créée par le peintre espagnol Juan Gris (1887-1927), l'un des grands disciples de Pablo Picasso, précurseur du soi-disant cubisme synthétique (nom donné à la deuxième phase du mouvement artistique).
Utilisation du collage comme technique de reconstruction d'image
La guitare (1913), Pablo Picasso
Contrairement à la proposition du cubisme analytique, qui cherchait à fragmenter autant que possible les figures réelles, le cubisme synthétique cherchait à reconstruire des images fragmentées, en les rendant plus reconnaissables.
Pour cela, la technique de collage a commencé à être appliquée comme l'une des méthodes les plus habituelles dans la composition de ces œuvres. L'artiste a introduit dans la peinture coupures de journaux, magazines et autres matériaux (bois, verre, métal, etc.), mélangeant textures et formes pour la production de ses œuvres.
L’intention du collage serait de transmettre l’interaction entre l’observateur et l’œuvre au-delà du champ visuel, suscitant également des sensations tactiles chez les personnes.
Démission de perspective
Guernica (1937), Pablo Picasso
Au cours de la première phase du cubisme (analytique), les artistes ont cherché à présenter les différents angles et perspectives de l’œuvre en même temps et sur le même plan.
L'objet tridimensionnel était fragmenté, représenté sous des formes géométriques et superposé pour créer l'illusion d'une tridimensionnalité.
La construction des images à partir de la jonction superposée de ces fragments confère à l'artiste la sensation de "sculpter" le tableau. De là découle le concept de peinture sculpturale, qui définit également plusieurs œuvres du mouvement cubiste.
Prédominance des couleurs monochromes et opaques
Violon et Candélabre (1910), Georges Braque
Certains des plus grands noms du cubisme analytique, tels que Pablo Picasso, par exemple, ont caractérisé ses œuvres en utilisant des couleurs sombres et monochromatiques telles que le marron, le gris, le noir, le vert, l’ocre et le beige.
La palette de couleurs était très limitée et, dans certaines œuvres, la différence ne concernait que les nuances de la même couleur.
Il est à noter que l'inspiration pour l'utilisation de cette sélection restreinte de couleurs provient de l'art africain, qui a influencé les œuvres de Cézanne et de Picasso (les principaux précurseurs du cubisme).
Au fur et à mesure que le mouvement progresse, les œuvres cubistes utilisent des couleurs plus chaudes et plus vives. Le principal responsable de ce changement était Juan Gris, le "créateur" du cubisme synthétique.
Travailler comme un "exercice mental"
Nu féminin assis (1910), Pablo Picasso
Le cubisme, en particulier l'analytique, ne se limite pas à décrire la nature de la forme qui se présente dans la réalité, mais une idée conceptuelle abstraite des objets qui y sont insérés.
Pour cette raison, les œuvres cubistes peuvent être considérées comme un "exercice mental" pour l'observateur, qui doit interpréter l'image fragmentée et superposée par différentes figures géométriques.
Retraite de primitif
Les Demoiselles d'Avignon (1907), Pablo Picasso
Les artistes précurseurs du cubisme étaient fortement inspirés par l'art africain, principalement par l'idée de synthèse d'éléments et par l'utilisation monochrome de certaines couleurs restreintes.
Il est possible de voir des références directes aux masques africains et au concept de primitivisme dans plusieurs œuvres de Paul Cézanne, au cours du prétendu "cubisme pré-analytique" ou "cubisme cézanne".
Les Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso montre également l'essence de cette caractéristique du mouvement cubiste. Dans la scène représentée par l’artiste, il y a des femmes d’un bordel de Barcelone, dont certaines portent des masques de tribus africaines.
Influencé par la théorie de la relativité
Le mouvement cubiste est apparu dans une période de grandes révolutions dans le domaine scientifique. Au début du XXe siècle, par exemple, le monde était émerveillé par la théorie de la relativité d'Albert Einstein (1879 - 1955).
Le physicien a défendu l'idée de l' existence d'une quatrième dimension, l'espace-temps, modifiant ainsi la conception traditionnelle de l'univers en trois dimensions.
Pour les artistes cubistes, en particulier Pablo Picasso, ses œuvres ne se limitaient pas à la notion conventionnelle d'espace. Il voyait donc dans les théories d'Einstein une grande source d'inspiration pour le concept qu'il appliquait dans ses œuvres.
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